歌曲創作和表演是創作一首好歌的關鍵因素。另一個因素是編曲。即決定歌曲中要使用哪些樂器和聲樂部分，以及它們将出現在何處。即使是一首寫得很好的歌曲也需要引人注目的編曲才能錄制成一首好歌。
為了保持聽衆的注意力，歌曲編排必須充滿活力。不，我說的不是動态處理，即壓縮和限制音頻。我說的也不是動态範圍，動态範圍是對音樂檔案中最響亮和最柔和部分之間差異的音頻測量。在這裡，我所關注的是如何有政策地安排一首歌曲從開始到結束時的能量、強度甚至和聲結構，進而給聽衆帶來最大的震撼。
下面的截圖顯示了一首完整歌曲的波形顯示。這首歌曲的編排以動态變化為特色，并在結尾處達到最高水準、
許多音樂新手和制作人都會犯的一個大錯誤就是在編曲時太少關注動态。這可能會導緻一首好歌的錄音變得乏味。你可以在前期制作、跟蹤過程和混音過程中使用我在這裡給出的一些技巧。營造戲劇效果
讓編曲更具活力的關鍵在于不斷引入變化。一些關鍵的變數包括：哪些樂器和聲部在哪裡出現、歌曲各部分的順序和結構、和聲結構（和弦行進）、各部分的活力如何、各部分的層次變化以及錄音中捕捉到的或混音中處理過的聲音類型。
你要賦予歌曲戲劇性的弧線。在大多數流行歌曲中，你都希望編曲中最緊張、最有力的部分出現在結尾。把它想象成一部在接近結尾時達到興奮頂峰的電影。
不過，這并不一定意味着你要以線性的方式增強力度。很多時候，歌曲的動态會忽高忽低。但當歌曲接近尾聲時，通常會達到最高強度。
使用歌曲結構
一首寫得好的歌曲，由于其結構的原因，已經内置了一些動态對比。通常情況下，副歌會比歌詞更有活力。是以，當歌曲從詩句進入副歌時，強度通常會增加。許多歌曲都有前副歌，前副歌是歌曲的一個部分，它能為副歌提供能量，使副歌産生最大的沖擊力。
許多歌曲都有橋段，通常是在幾句詩和副歌之後出現。橋段的作用是轉換節奏。它可能會有不同的節拍、完全不同的和弦進行等。如果您的橋段與副歌過于相似，就無法達到目的。
器樂休止符是編曲中另一個可以改變節奏的元素。主唱出場，主奏樂器登場，這一動作就能形成對比。此外，通常還會有動态變化。在獨奏部分，整個樂隊的能量通常會提升。另外，您也可以讓獨奏安靜地開始，并在進入下一節或副歌之前達到高潮。你甚至可以用不同的調式來演奏獨奏部分，然後在結尾時調制回原來的調式。
或者，你甚至可以在編曲的後期某個地方加入調式。通常，你會在副歌重複的地方加入一個調式。你必須小心使用這種調式，因為它們聽起來可能會過時和老套。如果你沒有其他辦法讓重複段變得更有趣，那就将其作為最後的手段。在許多音樂風格中，你很少會聽到調式。
增減元素
通過編曲創造歌曲動态的另一種方法是增減部分。與現場編曲不同的是，現場編曲通常從一開始就加入所有或大部分樂器，而錄音室編曲通常會因樂器的加入和退出而産生動态變化。
如果你仔細聆聽流行歌曲，就會發現他們的編曲方式之一就是在歌曲的連續段落中加入一些元素，進而使歌曲充滿趣味。例如，你可以在第二段歌詞或第二段副歌時加入打擊樂器或鍵盤墊，以差別于第一段歌詞，并增加一點力度。
另一種方法是在歌曲進行到第二或第三段副歌、前副歌，甚至第二段歌詞時，添加額外的背景聲部分。添加樂器和聲部比對比不同的歌曲部分（如詩句和副歌）更微妙，但它們有助于保持聽衆的興趣。即使歌詞很好，聽衆也很容易對除了歌詞變化之外聽起來完全一樣的重複歌曲段落感到厭煩。
通過減少元素來實作動态對比的最極端方式就是分解樂段，在分解樂段中，大部分樂器都會停止演奏，但人聲仍會保留。你通常會在歌曲的後半部分聽到分解樂，而且它們通常以合唱作為結尾。分解樂可以隻有鼓聲和人聲，也可以隻有鼓聲，還可以有一些其他樂器留在其中。
即使你在錄制歌曲時沒有加入分解樂，你也可以在混音時通過暫時靜音樂器來制作分解樂。這樣，不僅在分解開始時會出現明顯的動态下降，而且當樂器重新進入時，動态也會大幅提升。
前奏是另一個極好的對比領域。如果你聽過流行歌曲，很多歌曲的開頭都會使用最少的樂器，如人聲和一種和弦樂器，如鋼琴、合成器或吉他。通常，貝斯和鼓要到前奏的中間或第一節的開始才會出現。或者，有時鼓在歌曲開始時會演奏強度較低的部分，例如使用側擊鼓而不是小軍鼓，直到副歌才進入全速。另一種制造類似崩潰效果的方法是在歌曲稍後部分回到前奏。下圖展示了一首假想歌曲的力度分布圖，顯示了歌曲的漸強、漸弱以及在最後的副歌和結尾處回到最高力度的過程。
用自動化創造激情
假設歌曲中的樂器部分是真實的樂器，而不僅僅是 MIDI 程式設計的樂器，那麼最好確定演奏者知道在歌曲的哪些部分需要演奏得更大聲或更小聲。如果使用的是書面樂譜，可以添加動态标記。但在大多數流行樂或搖滾樂的錄音中，樂手通常都是在沒有書面樂譜的情況下演奏歌曲，可能隻有和弦表。是以，有時到了混音階段，你會發現音軌的動态變化并不如意。
解決方法之一就是在需要增加能量時，使用音量自動變化來巧妙地提高特定音軌（甚至整個混音）的音量。你必須巧妙地提高或降低一兩個分貝。如果你要寫入一個更明顯的變化，聽起來可能會不真實。
下面的高亮部分顯示了在歌曲接近尾聲時，主音量的自動調節被巧妙地提高，以增加動感。
與此相關的一個技巧是，在整首歌曲中或接近尾聲時，通過加大鼓聲來增加能量。同樣，一定要細膩。音量不要超過 3dB。你要讓它聽起來像是鼓手在稍稍 "挖坑"。你會驚奇地發現，這能為鼓聲部分注入活力。
下面的截圖展示了如何使用音量自動化來提高填充音量，為鼓聲音軌注入活力。
提高填充音量
另一種技巧是在歌曲的不同部分使用不同的混響和延時處理。你可以在副歌部分使用延時效果，也可以在詩句、前副歌和副歌之間使用混響效果。
你還可以巧妙地改變樂器的聲音。例如，在副歌部分的節奏吉他上多加一點失真效果。或者在橋段中為合成器添加濾波效果，以差別于其他部分的聲音。
注意事項
無論何時制作歌曲，都必須注意歌曲編曲對最終産品的影響。正如我在本文中所讨論的，你有很多工具可以讓你的編曲盡可能充滿活力和激情。不要害怕使用它們。
一個很好的練習就是聆聽一些你最喜歡的歌曲，并分析它們是如何随時間演變的。注意哪些元素在一開始就出現，其他部分是加入還是退出，以及動态的變化。你可能會對編曲的發展過程感到非常驚訝。