傅宝石
傅宝士（1904-1965），原名长生，瑞林，车主No.出生于江西省南昌市，祖籍江西省新余市。现代画家。他早年在日本学习，然后回到中国，在中央大学任教。1949年后任南京师范学院教授、江苏省国家绘画学院院长。善于画山水，中年创作为"握石"，笔下放松，气势恢宏，特别擅长春瀑雨雾场景;人物画多为女人，高士，高古的形象。著有《中国古代绘画研究》和《中国画史变迁》。
傅宝士，关山月亮，"江山那么多精致"500x900cm 1959年9月5日，人民大会堂
作为江苏省国家画院院长，他推动了20世纪中叶新山水画的发展，将始于20世纪50年代初的中国传统绘画新运动推向了历史高潮。后来，以"煤炭是壮观"为代表的社会主题，在产业主题融合的努力中，已经清楚地表明，现代山水画是符合时代发展潮流的法律;
纵观中国画史，也由一代又一代的绘画大师不会突然创造和更新历史，打开中国画家可以看到，所有的成就都有自己独特的绘画风格，并且可以通过与墨水和墨水编程语言的融合，把自己的学习和自然的感觉， 自由发挥自己的个性。特别是在中国山水画方法中，因为过去一千年来山水画的每一个变化都与山水画的创新有关，所以它一直受到画家的关注。也因为艺术家性格和知识的差异，以及对不同自然外观的理解，创造了各种不同的方法。
传统方法以中心钩为主，在侧边之间摩擦染色，开发过程中还出现了"乱木"、"乱"、"拖泥带水"的现象。"还有其他更抒情的方法，这样的法则是肆无忌惮的，随机的，非常个人化的，看似潦草，不可能有规律，很人性化就可以。黄宾红说"一幅好画，乱不是无序，不是无序无序。"它的脉络一定要连起来，脉络连起来，画的是灵气，画灵气，自然生动。在现代画家中，大多数画家在传统的笔法上遵循古法，不敢跨矿池半步。由于传统的制约，自然界不能直率和达到生动环境的魅力。能用笔手运墨，并随意达到乱码画的境界，只有傅宝士、黄秉红、陈子庄、石璐几人才刚刚。
傅宝士是在长期的绘画实践中，将个性和才华融入到自己的绘画中，逐渐形成了一种不同的方法，他敢于突破传统笔法的桎梏，不仅用笔尖笔，还在用笔尖操作时加大力度，利用根部和散射笔波垂直扫荡， 笔波，将刷子的性能和潜力发挥到极致。它破笔乱七八糟的画乍一看显得头皮粗犷、不羁，但线条在快乐之间微妙、凌乱与守法之间，整体风格和谐统一。他的浅滩方法，不仅包含"乱木、麻、莲叶、用水拖泥"等方法，而且有所改变，从而造就了一套传统经典为一体的新方法。有人问他靠什么生活，他不能说这是一条什么样的法律。因为混战，无序，如此开玩笑地称他为"迷茫"，这后来以他的名字命名，新法，被尊为"持石"。
最近，我看到了著名学者、艺术史教授陈传世先生的收藏，受益匪浅。他有一篇关于现代画家排名的文章，齐白石被评为本世纪最具影响力的中国画家，徐晓红排在第二位，并说："除非无知的人，恐怕会屈服。本来，每个画家都有自己独特的风格和对艺术发展的特殊贡献，有的是别人是无法企及的，无法用排名来衡量自己艺术的价值，如果要把一、二、三分开，齐百石、徐世红的知名度和艺术成就在中国人民中都是众所周知的。但是，如果把名声放在一边，就其艺术成就的影响和艺术更新的程度而言，肯定会有很多读者不同意陈教授的两个。作者肤浅，相比陈教授从无知，但我实在不满意陈教授的排名，除非有理由让我鞠躬。
研究美术史的陈教授应该比我更清楚，早在东晋时期，著名画家和理论家顾伟之就明确提出："哪里画，人最难，第二山水，第二狗马。随着历史的发展，中国山水画逐渐发展成为中国画的主流，其理论和绘画在发展中是最成熟的。陈教授的另一本书（合著者）《精神的折射——中国山水画与隐秘文化》第二章直接提出"山水画是中国画的主流，创作者大多是隐士和有隐性心态的人"。这表明陈教授承认风景在中国画中的重要性。中国人热爱山水，厚重山水画，认为山水能"抚平上帝"，从山水画可以体验到"愉快、宜居、游泳"的境界，也提出了"仁慈的乐山，睿智的人快乐的水"等理论的出现，在中国艺术史上也可以看出，每一个涌现的划时代的人也是山水画家， 博大精深的山水画已成为民族艺术的代表，在中国画中占据着重要的主导地位，齐白石是最优秀的花鸟，也更有趣，但又不能与雄伟、千变万化的山水画家相比。徐晓红是画人物，但提倡素描是所有造型的基础，适合中国画吗？画笔素描真的能传达出上帝对中国文化的表达吗？
最后，看看陈教授有一篇"从男性气质氛围说话"的文章说得非常好，他认为有一种力量感，男性气质的艺术是最正统的民族艺术，然后比较现代画家，真正达到了新的面貌，男性气息，和理论著作有很大的冲击力，艺术成就全面只有傅保石， 黄秉红、潘天寿三人。（傅全死时只有六十一岁，相当于黄炳红的中年少年齐白石，两位大师在这个年纪的作品简直不成熟。如果把作品的阳刚气气和创新层面、风景、人物同时达到高度的成就，那么站在傅宝士先生的尽头。
现在傅已经被推到了顶峰，让我们来看看他的艺术历程。傅宝士是从画店启蒙绘画的爱好，他最早接触艺术是从雕刻开始，高中模仿的名画可以达到混乱的程度，他主张："取法"，从秦汉研究来看，作品是在中途一次变革，作品的风格是高古典的， 和大雕刻师黄木夫的风格相似。由于题词和文字的参与，傅保石开始学习书法，从古老的"银""石鼓"开始，作品的风格健全而古朴。他高度尊重书法在中国艺术中的地位，在他的著作《中国版画简史》一书的开头说，"中国艺术最基本的来源是书法，如果对书法没有相当的认识和认识，那么一切中国艺术都可以说是起因。可以看出，他对书法有着深刻的理解。这里有点让我不知的是，傅保石的书法版画是古风，也就是说，草书的字迹也很优雅，总觉得受古法束缚而不能放手，似乎就是它的氛围，气息般的中国画风格是很不一样的。而且往往在其大胆而不羁的绘画题材上有几块铁丝，而作品的整体气质却非常不协调。如果说傅宝史书法学是徐伟天马式的笔状野性，雕刻得像白石一样的刀子笔直而自然，那么这就是傅宝士的完美。
傅宝诗最早的绘画研究始于临沂传统绘画，十几岁时学习石涛的作品，觉得石涛的绘画武断、生动动人，非常令人钦佩，于是改名为《宝氏》。他一生受到《石道》的影响很深，但学习又能被临沂石道和古代杰作塑造，塑造神两者，具有更深层次的传统基本功。我看过他的临沂石桃《玉花阳山地图》作品，既有石陶的魅力，也有自己的"拿着石头"的风格，相比张大奇林史涛的画比自己的语言更是很自学。他通过从各代人的风景和水中汲取笔墨的精髓，创造了山水画的新情绪。虽然傅先生说："为了山水的需要，也意外地画了字。但现在它的人物画传统力量和高尚的古代意义，至今无人能超越。当他画人物时，显然学习了法国古铁线描摹、兰耶描摹和高古丝绸描摹等不同之处，他化学详细地为书写飞线，并采用了白额法，看似草率，但与人物的魅力和内容相得益彰。这些飞线与他的山水画风格相似，画面统一和谐，线条流畅古朴，大胆而美丽，冷酷优雅，成就与山水之间。傅宝石的人物画不错，但相比风景还有很多遗憾，比如人物造型单调雷鸣，尤其是几幅女性人物的图片，其中脸的方向、位置的大小、动作的表情几乎都是一样的。
傅宝石是一位画家，但他对艺术史的热爱更加强烈，他对艺术史理论的研究深刻，成就巨大，至今没有人能与他站在一起。他也是中国艺术史研究的先驱和权威。早在22岁时，他就完成了第一部艺术史专著《中国画起源概要》，26岁时，完成了第一部艺术史专著《中国画史的变迁》。然后，他前往日本学习东方艺术史，并拥有《中国艺术年鉴》《中国艺术史》等作品。也许正是因为他对艺术史的理解和判断，他逐渐形成了自己的绘画理论，同时，他吸取了教训，学到了本质，也推动了自己独特的绘画风格的形成。在这里，我们从傅宝士先生的艺术经历中可以看出，傅宝士一生纪律严谨，涉足艺术范围广泛，在绘画、雕刻、书法、哲学和东方艺术史等方面取得成就，并善于权衡和思考，取本质、融合，最终傲然屹立于现代中国画世界， 成为一代大师。看看中华人民共和国成立后学习艺术的人，比前所未有的，现在又有多少真正优秀的画家！艺术院校扩大招生，非艺术学校都增加了艺术！
要研究画家的作品，首先要了解艺术家自己的个性、性格和爱好，作品只是艺术家的思想和性格产品的结合，傅宝诗的作品是将自己的真实性和墨水有机地结合起来，达到完美的范例。在中国画史上，不受外界干扰和礼仪，随口如宋元军所说，"是真正的画家也是"的"脱衣服"画家，有吴道子、徐伟、八等，他们的共同特点是好酒、醉笔抹黑最精彩。傅宝石有一幅常用的版画，叫"经常喝醉"，是他爱好的最好写照。傅宝士好酒，而每一幅画时必备的酒，每一件酒都要画，几乎到了没有酒不能画的地步，在他的艺术世界里，酒与画融为一体，密不可分，并成为其艺术不可分割的一部分。
酒与书法画的联系自古以来就非常紧密，伟大的画家吴道子和书法家王伟志，无论是喝酒后，展现的本质，都利用笔，我看的东西，从而发挥出非凡的水平。后来，唐代的两位伟大书法家张旭和卫苏，由于奢侈的本质，行为狂野不羁，经常把心情、悲伤和不公正，被用草书放在笔的末尾，用笔肆意妄为，充满精辟，让草书发挥到极致，两个人因为醉酒健忘， 被后世称为"醉酒"。傅宝石之所以能看到这位大画家几百年，其实与他的美酒密不可分，每一个大醉，以酒为动力，借酒抒情，用笔画、刷子扫一扫，闪电关掉，慢慢如一股小溪。画面如书一样令人振奋，气势引人入胜，其笔墨变化丰富，线条连贯与墨迹干涸，浓光自然，平凡的一天的喜悦与悲伤，荣誉与屈辱都被遗忘在这半梦半醒之间，其创作绘画过程本身具有非凡的艺术魅力，因其深厚的传统力量， 所以它的工作在野外很合法，而且不迷失在严格中。
像傅宝石这样的乱码画之所以困难高昂，是因为要将自然融入笔墨中，这在正常条件下是无法实现的。因为平常的大脑形成了各种规则和规则，而盒子则限制了艺术性，使人们无法自由玩耍，必须用某种方式来消除这种障碍。傅宝诗选择了酒，只有在酒中，自然才能发挥到最好的状态，此时水平笔墨，肆无忌惮，大胆而懒散。在恍惚和理性之间，似乎被打破了。论文的疯狂没有被忽视。但事情总是有一定程度的，喝酒也应该恰到好处，真的喝得太多那会很好！据说，有一段时间傅宝士在重庆的时候，一天晚上喝了很多酒，然后开始画画，一边喝酒画，喝了很多酒，他自觉这幅画比以前更生动，是人生的杰作，醒醒后看到，画狼， 乱七八糟的不画，原来大醉后大醉的信笔潦草地写着，满是黑纸，无法清理，可见真的醉了画后不好。学习艺术需要激情，每个人都有办法让自己兴奋，或者面对雄伟的风景，或者享受动人的歌舞，或者听动人的音乐，只要找到一个合适的适合进入激情的点，同样可以带入自我显赫的境地。不是每个人都能画出好作品后喝完，你不是好酒，不喝三口只能是重脚，头晕目眩，画的作品也注定了"色相画"。
写到这里，作者发现了一个绝非巧合的现象，在二十世纪的画家们，以轻松的态度和放纵的笔墨画达到了乱码画的境界，黄秉红、傅保石、陈子庄、石璐四人，因为笔者指出他们与古琴有着不同寻常的联系。黄秉红的学生王波民在《黄宾红的画》（上海美术出版社61版）中谈到了黄秉红40岁前学习弹钢琴和舞剑的经历。炳红先生还拥有一架古钢琴，后来被南京画家董新斌收藏。石鹿学生李思南在《哭泣时的歌》一书中也提到，石麓先生曾经有过一颗深色檀香丹琴，石路能说出七根琴弦和十三个徽章的角色和典故，左手按着钢琴，右手按弦，一边弹唱歌，似乎石麓在古钢琴上确实是一门书房。四川画家陈子庄对钢琴的感情更是深厚，他经常与当时的大提琴家们在一起，并与著名小提琴家于少泽、王华德周刊在"百家乐俱乐部"雅吉、福琴的绘画、《陈子庄绘画集》（四川美术外文出版社87版）见陈子庄的画作与钢琴韵律的标题， 片名："俞听王华德鼓《猿鹤操》，现场就像，什么时候是先练了一千次之后，前辈有云，用笔如弹钢琴，试着写我的山和水，可以活泼，就像身处其中。
还有"画中的声音，不是在笔墨中的思想，观众也能看到的。"这表明它的画作受到钢琴的直接影响有多深。至今还活着、八十三岁的王华德先生，经常谈起他与画家陈自庄的交往，以及钢琴与绘画的互动。傅宝石先生是否弹钢琴，是因为数据中没有记录，但他更倾向于欣赏古钢琴的音乐是肯定的，因为他的作品在福琴高士、钱石女郎等主题中很常见。其中，晚年也直接传播最广、最具代表性的钢琴曲《平沙坠落》和《阳观三垛》（玉城曲），为主题多次创作民族绘画作品，以及如《权杖与钢琴地图》、《东山丝绸竹》《美丽漫步》， "柳福琴"、"竹林七贤"、"竹博物院"等都是直接让福琴人物出现在屏幕上，其他民族乐器如齐、萧、齐等也经常出现在自己的画作中。在《中国画研究》（第8集）中，有一篇关于派小石对父亲的怀旧的文章，其中有一段话"有时引人骄傲，当父亲还哼唱了几句《梅花三句》、《赵君出插头》等当时在南昌流行的曲调时。而这两首歌，也是古钢琴的经典之作。由此我们可以推断，傅宝士先生喜欢古典音乐，尤其是古钢琴。关于古琴与书法的密切关系，不是三字两字可以解释的，这个话题以后就吉祥了。
既然这几幅精湛的中国画，我们都对古琴产生了浓厚的兴趣，那么最终从中得到了什么。我们常说钢琴、象棋、书画、绘画四艺、诗、书、画、印刷密不可分，但如何连接可能大部分都停留在理解的低级阶段，比如画画到书法用笔等等。秦作为四艺中的第一门，自然有其道理，绘画是视觉艺术，是有形的，即使小孩子也知道画了什么，而音乐都是凭感觉去体验它的魅力，声音转瞬即逝，也看不见、摸不着，完全是山水或流水的表演手段。而就古代钢琴乐器而言，单单是与书法绘画直接相连的，书画构成的基本要素是点、线、面，以及钢琴本身由点（十三个不同大小的点做徽章位置）、线条（七根不同厚度的琴弦）、面（各种形状的曲面面板）组合而成， 通过人与钢琴、手与弦的协调，通过生动演绎的气韵，运用轻、慢、方、刚软、厚、轻、轻、假、断断续续等方法，展现大自然之神，以表达自己的心情和悲伤等不同情感， 它的心态和处理和绘画有许多惊人的相似之处。
"节奏"也是音乐的生命，"节奏"也是中国艺术的核心，可以说没有"节奏"就没有艺术。明朝陆世玄说："有韵是生的，没有押韵是死的，有韵是优雅的，没有押韵是庸俗的，有押韵是沉重的，押韵是远的，没有押韵是局的。中国画的六大法则中的第一条是"生机勃勃"的，宋代画家黄廷建说："现在的绘画是押韵的"，"韵律"已经成为中国画创作和欣赏的标准。古人还强调诗歌中韵律的和谐，并有"诗的韵律，如柱子的根基"的说法，有一种诗的味道可以让人琅郎嘴，回味无穷。构成音乐的基本元素是旋律和节奏，通过长度，高度和低，优先级和断开等美丽节奏的组合产生丰富多彩的音乐。而绘画不是通过点线表面的密集、分散、缓慢、厚实、只是柔和的音乐节奏来表达气质。"节奏"真的是中国艺术的秘诀，不明白这一点，人生就不会体验到艺术交流的美。
那么，什么是押韵？"节奏"这个词出现较晚，应该是韩伟之间，据查，有人认为曹志《白鹤傅》中"听清清韵律的钢琴"的"节奏"一词最早的起源。蔡薇的《弹钢琴》有"复杂的琴弦，而雅云就是阳"。由此可见，"节奏"这个词与古钢琴的音乐息息相关，古钢琴因为琴弦长时间振动，所以它也是最"节奏"的乐器。"节奏"最初是相对于"声音"而言的，延续声音为"节奏"，"节奏"可以使声音产生无限的"味道"来临，这就是"节奏"，有"节奏"来避免无聊。当我们敲木时，只有声音而没有"节奏"，而用木头使古钢琴可以发出事后的声音，无尽的韵律就要来了。这种无限美妙的"味道"就是"节奏"。
清代秦人庄其峰在《钢琴心音谐谱》中曾说过"钢琴是纯真的元节奏，声音自然，不喜欢正式，音色缺乏克制"，更重要的是，传播了一千多年的钢琴谱系只是指微观世界，而不是规律的节奏， 经常给人一种自由的、自由流动的兴趣意义。即使同一首钢琴曲，小提琴家总是随着情绪和环境的变化以不同的方式表达不同的感受，可以肯定地说，在录音机录制之前，从来没有两首相同的歌曲。傅宝石、黄秉红、陈子庄、石鲁的国画是通过笔墨在纸上的节奏和旋律，通过"笔走龙蛇"般的运动的线条和音轨来传达音乐的节奏和旋律，并以极高的艺术素养和钢墨功夫在线条中寻找适合自己性格的表达和手段， 在大写的笔墨随机，手在一手。那些自由、丰富多样、有节奏的线条，在节奏中留下了情感的痕迹，正是因为它不是机械的，而是生命，具有生命力和张力，所以笔有一种特殊的"节奏"味道。我们欣赏他们的作品，仿佛在听一首栩栩如生的古歌，那优雅柔和、优美、平静的曲调和起伏不定，跌宕起伏的旋律，为我们展现出无尽的遐想，总让人的思绪在恍惚中感受美妙。学习中国画，就不能学古钢琴，但如果不能从中国古典音乐中激发和理解，就永远不会成为高水平画家。
既然傅宝师先生热爱古乐，那么我当他是世间"鼓钢琴奇妙手"的时候，即使弹奏着强大的"流水"也有一颗大心脏，抚琴时忘了，心与手合十，钢琴声越来越响，如悬崖噼啪作响的山谷，深沉而凄美的山泉， 安静的月光。正如古人所说："钢琴的尺寸中等，声音大，响亮，无声，流动，低语不湮灭，不闻闻，足够和受欢迎，感动好心。也就是说，要控制适当的节奏优先，使高亢的响亮和厚重而不杂乱嘈杂的耳朵，低音如丝绸般轻盈而连续，从而体现钢琴独特的音乐品质和深刻的内容内涵和精神气质。当然，博牙鼓钢琴是给钟表时期这么好的聆听音色去欣赏傅宝诗的画意是一样的。如果你刚开始抹黑说自己涂鸦和傅宝石，那么，玩棉花也有节奏和规律，你也可以把它想象成音乐，听假鼓钢琴你也觉得和隔壁弹棉花的声音没有太大的区别，那么你也要做玩棉花。最后，我可能忍不住要问："朋友们，你们为什么要学艺术？
1942 - 老谷
1943年 - 林和荆梦图
1947年制造 - 泡茶图表
1944年 - 松影瀑布
乙炔 （1945） - 高林泉