众所周知，横平竖直的各种构图基本法则贯穿于摄影的基本素养之中。那么问题来了，如果让你抛弃掉所有的基本构图，将光线、色彩、空间等所有元素融合在构图之中，你能做到什么程度呢？
一位来自美国的街头摄影师就很钟情于这种风格，你或许在某些营销号中见过他的大名。他便是—亚历克斯·韦伯（Alex Webb）。
70到80年代，韦伯作为纪实摄影师，游走于美国、墨西哥、海地等国家，见识颇多，感触颇深。1986年，海地的二月风暴刚刚结束，韦伯以新闻摄影记者的身份拍下了一张张黑白照片。“未知”、“充满活力”、“原始”……这是韦伯在海地近距离所感受到的。之后，海地拿起相机走上了街头。
韦伯作为最负盛名的街头摄影师，最让人们折服的地方是——他的作品毫无主体。或者说，在他的作品中每一处都是主体。
在欣赏韦伯的作品时，我总能注意到许多光怪陆离、奇异荒诞的元素或远或近，但却又能与画面中的其他元素遥相呼应，相辅相成。每一个部分都看似独立，然而细看又能发现各个部分之间有着紧密的联系，这便是韦伯的巧妙之处。在大光圈的加持下，韦伯让画面中每一个元素平行呈现，没有前后景之分，不需要任何景深，这种怪异的平衡带来了更奇妙的视觉享受。
除此之外，我还发现韦伯的作品都很喜欢使用鲜艳的色彩以及较高的饱和度。在近些年，许多人并不喜欢“高饱和度战士”风格，但韦伯却能让色彩参与构图，有时杂乱、有时又十分和谐，甚至于多了一份“神秘感”。
不难发现，韦伯在游走于各个地方的街头时，很擅长运用具有当地风格的标志，例如涂鸦、路牌、模型、雕塑等。这些异域风情的元素为整个作品带来一种别样的韵味，仿佛让我身处在异世界一样。
当然，韦伯在光影方面的造诣更是让人拍案叫绝。可以说，影子和镜子成为了韦伯的标志性元素。在他的作品中，阴影处的主体反而更突出于其他主体，甚至起到了宣示主旨的作用。同样，在韦伯的设计下，镜面使得不同空间的人们交融在画面中，这种时空错落感带来的是前所未有的神秘、复杂和饱满。
韦伯一直认为，自己99%的街拍作品都是失败的。2011年，他在过去30年间拍得的作品中，只挑选出了120幅并制成摄影集，命名为《光之苦》（The Suffering of Light）。“未知的、充满活力的、原始的世界”从他离开海地那一刻起，便已伴随他的作品走过数十年，走向每一个为之动情的观赏者。
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